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Fiebre VINILLO, Barcelona (2026)

05/09/2026

recommends: Panda Bear & Sonic Boom – A ? of WHEN (2026)

Cuando Noah Lennox y Pete Kember unieron sus mundos en Reset (2022), el resultado fue uno de nuestros discos favoritos de aquel año: psicodelia, melodías imposibles, armonías vocales y una alegría casi infantil convertida en pop del siglo XXII.

Porque una de las grandes virtudes de Sonic Boom es precisamente esa capacidad para empujar a Panda Bear fuera de su zona de confort.
El universo de Lennox —sus voces superpuestas, sus loops hipnóticos, esa mezcla tan suya de psicodelia, electrónica y pop— encuentra aquí nuevos caminos entre arpas y sonidos que nadie habría imaginado en esta pareja.

El resultado vuelve a ser extraño y familiar al mismo tiempo. Luminoso, psicodélico, juguetón y, bajo toda esa belleza, sorprendentemente humano.

Panda Bear, que ya tiene una forma de hacer música reconocible a kilómetros consigue con Sonic Boom que esa forma siga siendo imprevisible.
Y quizá ahí esté el secreto: no escuchamos a dos artistas sumando sus talentos, sino a dos amigos descubriendo qué pueden hacer juntos que ninguno haría por separado.

Reset abrió la puerta. A ? of WHEN nos invita a entrar un poco más.

Es nuestro discazo de la semana.

FV recommends: Panda Bear & Sonic Boom – A ? of WHEN (2026)

When Noah Lennox and Pete Kember joined forces on Reset (2022), they created one of our favourite records of the year: psychedelic, melodic and wonderfully unpredictable.

Sonic Boom has a unique ability to push Panda Bear beyond his comfort zone, expanding his hypnotic world of layered vocals, loops, psychedelia and electronic pop into unexpected territory.

The result feels strange and familiar at once: bright, playful and deeply human.

Panda Bear already sounds like nobody else. With Sonic Boom, he becomes impossible to predict.

Reset opened the door. A ? of WHEN invites us to step a little further inside.

Our album of the week.

28/08/2026

recommends: Shearwater - The New World (2026)

Shearwater lleva años construyendo una de las trayectorias más singulares del indie rock norteamericano.
Lejos del mundanal ruido y siempre fiel a una ambición artística impecable,
su historia creativa está estrechamente unida a sus hermanos musicales de Loma, formación con la que comparten 2 miembros y la curiosa facultad de no hacer un disco que no llegue, como mínimo, al notable.

Con 'The New World', su primer álbum en cuatro años, Meiburg y compañía vuelven a mirar lejos.
Hay algo de la intensidad emocional de Radiohead, de la fragilidad expansiva del art rock y de ese dramatismo que siempre ha convertido a Shearwater en una banda difícil de encerrar bajo una sola etiqueta.

Pero lo que realmente sostiene el disco es esa voz: solemne, poderosa y extrañamente humana, capaz de elevar una melodía sin necesidad de convertirla en un espectáculo.

'The New World' suena ambicioso y expansivo, construido durante años y en distintos lugares del mundo, con grabaciones de campo que amplían todavía más su sensación de viaje.
Y quizá por eso su título le sienta tan bien: escuchar este disco es recordar que todavía quedan territorios por explorar.

Este otoño, Shearwater y Loma llevarán esa conexión familiar a una gira conjunta por el norte de Europa y Reino Unido.
Tras tantos años sin girar, casi se siente como un pequeño gran acontecimiento.
Ojalá elijan pronto España y podamos disfrutar de su directo.
Es nuestro discazo de la semana.

(ENG) Shearwater have spent years building one of the most distinctive careers in American indie rock.
Far from the noise and always driven by an uncompromising artistic ambition, their story is closely connected to their musical siblings Loma. The two bands share members — and a remarkable ability to rarely make anything less than a very good record.
With The New World, their first album in four years, Jonathan Meiburg and company are looking far beyond the horizon once again.
There's a touch of Radiohead's emotional intensity, the expansive fragility of art rock,....(....)

20/08/2026

recommends: Kevin Morby – Little Wide Open (2026)

Si aún no conoces a Kevin Morby, quizá este sea el momento perfecto para descubrir a uno de los grandes narradores de la canción americana contemporánea.

Desde Harlem River hasta This Is a Photograph, su carrera ya empieza a dibujar un hipotético 'greatest hits' de dimensiones considerables. Una colección de canciones donde la carretera, la memoria y el paso del tiempo parecen confluir.

Su voz aterciopelada, de crooner cansado pero elegante, vuelve a ser el hilo conductor de 'Little Wide Open', su octavo álbum de estudio.

Producido por Aaron Dessner (The National), el disco encuentra a Morby en un momento vital diferente: la inminencia de su paternidad parece haber añadido una nueva profundidad a una escritura que siempre ha mirado de frente al amor, a la pérdida y a la mortalidad.

Quizá por eso todo aquí suena más tranquilo aún sin renunciar a sus conatos de furia contenida.
Ese universo tan americano de sus trabajos previos aparece una vez más lleno de carreteras, paisajes abiertos y muchos kilómetros por delante.
Pero sobre todo, encontramos un Morby más tranquilo, más maduro, disfrutando del paisaje en lugar de correr hacia el siguiente destino.

Y cuando un artista consigue que su octavo disco suene como otro paso adelante, sabes que su historia todavía está lejos de haber terminado.
Es nuestro discazo de la semana.

ENG

If you still haven't discovered Kevin Morby, this might be the perfect time to meet one of the finest storytellers in contemporary American songwriting.
From Harlem River to This Is a Photograph, his career is already beginning to resemble a pretty remarkable greatest hits collection — a body of work where roads, memory and the passing of time constantly seem to meet.
His velvet voice, that of a weary but effortlessly elegant crooner, remains the thread running through Little Wide Open, his eighth studio album.
Produced by Aaron Dessner (The National), the record finds Morby at a different point in his life. The prospect of fatherhood seems to have brought a new depth to a songwriter who has always looked....

03/08/2026

recommends: Tricky – Different When It's Silent (2026)

Adrian Thaws es uno de los artistas más inclasificables que ha dado la música contemporánea. Tras revolucionar el sonido de Bristol junto a Massive Attack en la primera mitad de los 90 y firmar el imprescindible 'Maxinquaye' (1995), nunca aceptó encerrarse bajo la etiqueta del trip-hop.
Soul, hip-hop, jazz, rock, funk, blues o electrónica, Tricky ha ido, durante más de tres décadas, absorbiendo géneros para convertirlos en su lenguaje, un lenguaje que solo le pertenece a él.

'Different When It's Silent', su decimoquinto álbum de estudio, demuestra que esa inquietud sigue intacta.
El disco encuentra en Mitch Sanders una voz principal sorprendente, joven y profundamente emocional, mientras colaboradores como Run Red Rambo, Radana y Marta amplían un paisaje sonoro donde cada invitado aporta una textura distinta, no un simple adorno.

Las guitarras ganan protagonismo, lo i7s ritmos se vuelven más orgánicos y la oscuridad vuelve a respirar con esa elegancia incómoda que solo Tricky sabe construir.
Mientras muchos artistas terminan viviendo de su legado, él sigue escribiendo capítulos nuevos.
Y eso explica por qué, más de treinta años después, continúa sonando como alguien imposible de imitar.
En 2026, además, ha regresado a los escenarios con una extensa gira europea y norteamericana que acompaña este esperado regreso bajo su propio nombre.
Es nuestro discazo de la semana.

ENG

Adrian Thaws has always been one of the most uncompromising voices in modern music. After reshaping Bristol's sound with Massive Attack and delivering the landmark Maxinquaye, he refused to be defined by trip-hop alone.
For more than three decades, Tricky has blended soul, hip-hop, jazz, rock, funk and electronica into a language entirely his own.
On Different When It's Silent, that fearless creativity remains untouched. Mitch Sanders delivers a striking lead performance, while Run Red Rambo, Radana and Marta bring new colours to an album where every guest serves the music rather than the spotlight.
Organic rhythms, raw guitars and Tricky's unmistakable....

30/07/2026

recommends: Blueneck - Moonlighting (2026)

En un tiempo en el que tantas bandas persiguen el éxito, encontrar una que persiga la emoción es dar con un tesoro bien oculto.
Blueneck lleva más de veinte años demostrando que siempre ha pertenecido al segundo grupo.
Formados entre Bath y Bristol, los británicos han construido una de las discografías más consistentes y personales del post-rock progresivo europeo, convirtiendo la profundidad, la sensibilidad y la paciencia en su auténtica seña de identidad.

Con Moonlighting, su séptimo álbum de estudio, no han buscado la reinvención. Tampoco lo necesitan.
Tras una década de gestación marcada por obstáculos personales y creativos, el disco se presenta honesto, sereno y meticulosamente construido; cada canción parece haber esperado el momento exacto para existir.

Como es habitual en ellos, sus guitarras respiran, sus silencios pesan y cada melodía encuentra el equilibrio perfecto entre la melancolía y la esperanza.
Blueneck vuelve a demostrar que la intensidad no siempre necesita hacer ruido.

Pocos grupos han sabido mantener una identidad tan reconocible durante tantos años sin dejar de evolucionar. Moonlighting confirma que su creatividad permanece intacta y que todavía siguen escribiendo algunos de los capítulos más emocionantes del género.

Es nuestro discazo de la semana.

ENG

While many bands chase success, Blueneck have spent more than two decades chasing something far more meaningful: emotion.
Formed between Bath and Bristol, the British outfit has quietly built one of the most consistent and rewarding catalogues in modern post-rock, where patience, depth and sensitivity have always come first.
With Moonlighting, their seventh studio album, they don't try to reinvent themselves—they simply remind us why they've remained so special for so long.
Every song feels carefully crafted, balancing melancholy and hope with remarkable grace.
Blueneck prove once again that....

26/07/2026

recommends: Mary In The Junkyard - Role Model Hermit (2026)

Antes de 'Role Model Hermit' (2026), Mary in the Junkyard llevaba tiempo sonando como uno de esos secretos con fecha de caducidad.

El trío londinense —Clari Freeman-Taylor, Saya Barbaglia y David Addison— se había ganado el boca a boca a base de directos magnéticos, unos cuantos singles irresistibles y una gira junto a Wet Leg que terminó por ponerlos en el radar de la escena indie más inquieta.

Aun así, hay debuts que hacen ruido y otros que, sin levantar la voz, encuentran identidad desde el primer tema.
Así suena el primer largo de Mary In The Junkyard.
Un disco donde el arte de experimentar y el más puro indie rock conviven con una naturalidad desarmante, sostenidos por guitarras de filo áspero y una voz que oscila entre la fragilidad y la determinación.

No reinventan la rueda. Tampoco lo necesitan. Su mayor virtud es sonar auténtico en un momento en el que tantas bandas parecen cortadas por el mismo patrón.
Y eso, en un debut, vale muchísimo.

Es nuestro discazo de la semana.

recommends: Mary In The Junkyard – Role Model Hermit (2026)

Before Role Model Hermit, Mary In The Junkyard had already become one of those best-kept secrets that never stay secret for long.

The London trio — Clari Freeman-Taylor, Saya Barbaglia and David Addison — built a growing reputation through magnetic live shows, a handful of irresistible singles and a tour alongside Wet Leg that firmly placed them on the radar of the UK's most exciting indie scene.

Still, some debut albums arrive making a lot of noise. Others quietly establish an identity from the very first song.

That's exactly what Mary In The Junkyard have achieved.

A record where fearless experimentation and raw indie rock coexist effortlessly, driven by jagged guitars and a voice that shifts beautifully between vulnerability and quiet determination.

They don't reinvent the wheel. They don't need to. Their greatest strength is sounding unmistakably themselves at a time when so many bands seem cut from the same cloth.

And for a debut, that's worth a great deal.

Our album of the week.

01/07/2026

recommends: TOMORA – Come Closer (2026)

Cuando dos artistas se olvidan de modas, reglas o tendencias, y dejan que la inspiración marque el camino, pueden ocurrir cosas como TOMORA.

La unión entre Tom Rowlands, el mítico arquitecto del sonido de The Chemical Brothers, y la noruega Aurora, una de las voces más libres del pop contemporáneo, parecía improbable. El resultado es uno de los debuts más estimulantes del año.

'Come Closer' es un viaje donde el espíritu rave de los noventa convive con una electrónica que mira descaradamente hacia el futuro. Breakbeats, big beat, trip-hop, techno y atmósferas etéreas se entremezclan demostrando que la nostalgia también puede sonar revolucionaria. ¿Posible? Escúchalo y juzga por ti mismo.

Lo fascinante no es la mezcla de estilos, sino la naturalidad con la que todo sucede. Hay momentos que nos devuelven a las pistas de baile más salvajes de finales de los noventa; de pronto, se cierra la puerta:
la euforia se transforma en algo espiritual, suspendido entre sintetizadores imposibles y la voz hipnótica de Aurora.

'Come Closer' une dos maneras de entender la electrónica: la que hizo historia y la que todavía está por escribirse.

Y es que sabemos que si las modas viven del presente, un gran álbum consigue trascender el tiempo.
Y Tomora consigue en debut que pasado y futuro compartan 'la misma melodía'.

Es nuestro discazo de la semana.

ENG

When artists stop following trends and simply follow their instincts, projects like TOMORA can happen.
The collaboration between Tom Rowlands of The Chemical Brothers and the ever-fearless AURORA felt unexpected. The result is one of the most exciting debuts of the year.

Come Closer blends the euphoric spirit of '90s rave culture with a bold, forward-looking electronic vision. Big beat, breakbeats, trip-hop and dreamy textures collide with effortless confidence.
What makes the album special isn't its diversity, but how naturally every influence finds its place.
Come Closer bridges two generations of electronic music: the one that shaped its history and the one that's still being written.

Trends belong to.....

29/06/2026

recommends: of Montreal – aethermead (2026)

Bajo el inagotable talento de Kevin Barnes, el proyecto de Georgia, EEUU, ha convertido la mutación permanente en su mayor virtud, saltando del psych-pop al glam, del funk al art rock sin perder jamás una curiosa identidad.

'Aethermead' vuelve a demostrar que la imaginación de Barnes sigue funcionando sin frenos.

Nacido de una profunda ruptura personal, el álbum encuentra belleza entre el caos y recupera un sonido más orgánico, con la psicodelia sesentera y el pop artesanal ocupando de nuevo el centro del escenario. Las canciones se retuercen y cambian de dirección con la naturalidad de quien nunca ha entendido la música como un lugar estático.

No fuimos siempre adictos a su propuesta mas 'aethermead' es un capítulo en la extraordinaria obsesión de Kevin Barnes por desafiar cualquier expectativa, incluso las suyas propias. Y nos ha gustado.
Es nuestro discazo de la semana.

ENG

Driven by the boundless creativity of Kevin Barnes, the Georgia outfit has spent nearly three decades reinventing itself, moving effortlessly between psych-pop, glam, funk and art rock while preserving a truly singular identity.
Born out of personal heartbreak, aethermead finds beauty in chaos, embracing a warmer, more organic sound where sixties psychedelia and handcrafted pop once again take centre stage.
We haven't always connected with of Montreal's universe, but aethermead reminded us why Kevin Barnes remains one of indie music's most fearless creative minds.
While most artists spend a lifetime perfecting a formula, of Montreal keep reinventing the question.

17/06/2026

recommends: Kim Gordon – PLAY ME (2026)

Hablar de Kim Gordon es hablar de una de las figuras más influyentes y desafiantes que ha dado el rock en los últimos cuarenta años. Disruptiva, valiente, más que seguir tendencias las ha provocado.

Desde su etapa en Sonic Youth hasta esta nueva aventura en solitario, su carrera ha sido un ejercicio permanente de reinvención, explorando los límites entre el punk, el noise, la electrónica experimental y el arte contemporáneo sin perder un ápice de personalidad.

En PLAY ME, Gordon vuelve a demostrar que la rebeldía no tiene fecha de caducidad. El disco suena incómodo, abrasivo y fascinante a partes iguales, construido sobre ritmos quebrados, texturas industriales y su habitual tensión irresuelta.

En una época obsesionada con la nostalgia, Kim Gordon sigue investigando, arriesgando y empujando los márgenes hacia delante. Su música continúa siendo un acto de valentía creativa, una declaración de independencia y una invitación constante a romper las reglas.

A sus 73 primaveras Kim Gordon demuestra no solo una gran forma física y creativa. Es por derecho propio, una precursora que sigue escribiendo el futuro.

Es nuestro discazo de la semana.

[ENG] To talk about Kim Gordon is to talk about one of the most influential and uncompromising figures rock music has produced in the last four decades. She has never followed trends — she’s been busy creating them.

From her years with Sonic Youth to her fearless solo career, Gordon has made reinvention an art form, blurring the boundaries between punk, noise, experimental electronics and contemporary art without ever sacrificing her identity.

With PLAY ME, she proves once again that rebellion doesn’t age. The record is abrasive, unsettling and utterly compelling, built on fractured rhythms, industrial textures and a constant sense of unresolved tension.

Yet what continues to define her are those unmistakable bass lines: dark, sinister and quietly menacing, moving beneath the surface like an invisible threat. They remain the heartbeat of an artist who has always understood that the electricity of...

23/05/2026

recommends: The Twilight Sad - It's The Long Goodbye (2026)

No toda gran banda crece mientras envejece con la soltura y dignidad emocional de The Twilight Sad.

Desde aquellos primeros discos cubiertos de ruido, acentos imposibles y heridas abiertas, el dúo escocés ha aprendido a transformar el dolor en algo cada vez más elegante...Y expansivamente devastador a la par.
It’s The Long Goodbye (2026) no solo no rompe con su pasado. Lo abraza:

en los últimos años, James Graham vivía entre dos extremos: la felicidad de convertirse en padre y el dolor de ver cómo su madre se apagaba por la demencia.
Mientras una nueva vida llegaba a sus brazos, otra desaparecía lentamente delante de sus ojos.
Ese choque emocional marcó profundamente el proceso creativo del álbum.
Durante años, tuvo que convivir con hospitales, despedidas y noches sin dormir.
La carga emocional terminó afectando a su salud mental y retrasó la creación del disco.
Pero precisamente de esa mezcla de amor, pérdida y agotamiento nació uno de sus trabajos más intensos y humanos.

Siguen latiendo las sombras del post-punk, la melancolía de The Cure y ese dramatismo atmosférico heredado del mejor shoegaze británico.
Pero ahora todo suena más contenido, más profundo, como si la banda hubiera aprendido a respirar dentro de la tristeza.
Y en el centro continúa estando James Graham.

Porque cuando nadie más sabe cómo sonar vulnerable sin perder oscuridad, The Twilight Sad siguen siendo 'ellos' mejor que nadie.

Directo a DESTACADOS del año, es nuestro discazo de la semana.

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EN

Not every great band learns how to grow older with the emotional grace and quiet dignity of The Twilight Sad.

From those early records filled with noise, impossible accents and open wounds, the Scottish duo have slowly transformed pain into something increasingly elegant… and devastating in a far wider, deeper way.

It’s The Long Goodbye (2026) doesn’t break away from its past.
It embraces it.

In recent years, James Graham found himself living between two emotional extremes: the joy of becoming a father a...

Fiebre VINILLO

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